70年代美国黑人摄影师用相机发起艺术与社会的运动|摄影|美国|展览

　　“我会在特蕾莎酒店周围闲逛，即使你无所事事，你也很有可能收获一些照片回家。”沃克回忆道，“即使我是去购物回家，如果我还有30分钟的空闲，我也会找把凳子，观察来往的人，然后按下快门。”对于沃克来说，1972年是艰难的一年，“我感染了病毒，失去了一条腿，但我还活着。”

　　今天，沃克用的是袖珍佳能相机。“我不会用重装备，或是看上去很显眼，”他说道，“这是为了试着在人们不注意到我的情况下拍下好照片。这是关于我们黑人如何看待自我，关乎文化和人类学。我把自己当成一个文化人类学家。”

　　但是，40年前的哈雷姆和今天并不一样。“如今人们会问，为什么你要给我拍照？人们更加清楚你是谁，你在做什么。而在70年代，我可以随意地走上东哈莱姆去摄影。”

　　明·史密斯是团体中的首位女性人员。她在最近的一次采访中说道，“身为一个黑人女性摄影师，就相当于什么也不是。只有我自己和照相机。我努力地捕捉黑人文化，它的爱和丰富性。这是我的动机。”

　　虽然在今天，从重要书籍以及回顾展中可以看到，摄影中的黑人凝视正在受到艺术界越来越多的认同，但事情并非一直如此。“许多人认为马丁·路德·金去世后，事情迎来了转机，但那并没有改变什么。我们有黑人市长和政治家，但种族主义仍然存在。”沃克说道。

　　展览中的照片并非局限于美国。在兰德尔拍摄的一张照片中，一位来自密西西比哈蒂斯堡街区的女性让人看到了参与“自由之夏”（Freedom Summer project）项目的志愿者群体的身影，这个项目推动了越来越多的黑人选民登记。

　　正如巴博萨所说，一张好肖像的关键未必在于对技术的悟性，而是对情感的传递。而如果要用一个主题来概括Kamoinge所有成员的摄影的话，很简单，“这些照片中有一种安静的、灵性的感觉，”巴博萨说道。“这是美。我称之为‘眼睛的梦’。”

　　（本文编译自《卫报》）